Гармония цвета: создаем настроение картины красками
Друзья, тема статьи сегодня интереснейшая, ведь многие знают не понаслышке влияние цвета на человека , а многие из нас по- настоящему чувствуют на себе, как разные цвета влияют на их настроение .
И правильно подобранный колорит в масляной или акриловой живописи, создает особое впечатление от увиденной картины. Удивительно, но цвет на картине управляет взглядом зрителя!
Вопрос, как цвет может управлять реакцией зрителя и воздействовать на настроение?
Ни для кого не секрет, что цвет обладает сильной, невидимой энергетикой и способен даже воздействовать на психику человека, вызывая определенные эмоции и настроение, то есть, успокаивать или волновать. Люди давно поняли, в чем принцип цветовой гармонии, и научились это использовать.
Цвет окружает нас по всюду…Вы можете себе представить мир бесцветным? И, как правило, мы воспринимаем цвет как должное, ведь мы пользуемся им каждый день!
Рассматриваю картину Огуста Ренуара в музее Токио, Япония
Например, спокойные цвета применяют при оформлении медицинских, учебных учреждений, на предприятиях и фабриках, где важно добиться высокой производительности труда и снизить в разы утомляемость.
А вот яркие цвета наоборот, возбуждают и привлекают внимание. На выставках-продажах используют именно яркие вывески, с красным цветом. Тоже самое можно наблюдать во всех телерекламах, где используются контрастные, теплые цвета для привлечения внимания человека.
Но неверно полагать, что цвет – это невидимый инструмент для манипуляции восприятием. Скорее он помощник в передаче нужного настроения, позволяющий добиться гармонии в живописи, при помощи сочетание цветов в картине.
В процессе работы над картиной
Конечно, в картине помимо выбранного колорита, есть еще композиционный рисунок, он не менее важен. Но передает настроение картине, именно колорит и гармония цветовых сочетаний. Поэтому гармоничное и правильное «содружество цветов» на холсте, главный успех картины.
Влияние цвета на человека: как он управляет реакцией?
Однозначно, все люди ч увствуют по разному, как цвет влияет на их настроение, воздействуя на чувства, рождая при этом разные эмоции. Он имеет как будто бы свой язык: недаром говорят «видеть мир в розовом цвете», или «позеленеть от зависти», или «почернеть от горя»… ну, это к слову.
Именно гармония цветовых сочетаний определяет, какую реакцию у зрителя вызовет у него увиденная картина: будет казаться теплой и уютной, бродящей и энергичной или драматичной, глубокой.
Я рассматриваю сочную картину японского художника на выставке в Киото, Япония
Понимая, как оттенки взаимодействуют между собой, несложно будет передать спокойствие и умиротворение, волнение и возбуждение, симпатию и нежность, озадаченность и смущение….
Бывало ли у вас так, что рассматривая картину, вы испытывали не уютность или наоборот, успокоение от цветовой гаммы на картине… Такие эмоции вызывает не сюжет картины, а колорит, который подобран так, чтобы вызвать те самые чувства.
Цвет – основа живописи , всему голова! Зная свойства цвета, можно придать картине любое настроение. Каждый цвет в нашем подсознании сравнивается с разными стихиями, ощущениями и материальностью. Для понимания приведу несколько примеров и эмоциональных реакций на различные цвета:
- желтый – цвет солнца, вызывает чувство счастья, уюта, тепла;
- оранжевый – энергичный и праздничный, также ассоциируется со счастьем;
- красный – страсть, возбуждение, опасность, огонь;
- красно-лиловый – закат дня, волнение;
- лиловый – ночь, интриги, темнота;
- сине-лиловый – холод, темнота, волнение;
- голубой – вода, свежесть, мечтательность, небо;
- голубовато-зеленый – вода, даль, прохлада, безмятежность;
- зеленый – природа, листва, свежесть, спокойствие, тишина;
- желтовато-зеленый – солнечные лучи, листва, покой, великолепие.
Роль цвета в композиции важна: чистые оттенки рождают эмоцию, полутона позволяют приглушить реакцию, изменение яркости – вызвать грусть или дискомфорт.
Цвет основа живописи — в картине я использовала желтые, красные и зеленые цвета
Прежде чем выбрать цветовую палитру картины, нужно продумать сюжет, определить сезон, время суток, погоду. Решить, какое настроение хочется передать в этой работе.
Возможно вы замечали, что выбор палитры зависит и от нашего настроение во время работы… иногда хочется побольше контраста, а иногда пастельнность картины соответствует настроению.
Избежать противоречивых чувств и настроений помогут небольшие цветные эскизы. Они же позволят поэкспериментировать с композицией, испробовать несколько вариантов и найти лучший.
Цветной эскиз перед основной работой — росписи на стене
Смешивая краски и изучая, можно делать заметки, отмечая какие эмоции вызывает каждый оттенок и сочетание различных цветов в картине. Это поможет создать свою библиотеку данных о цвете, и в будущем сэкономить время и материалы.
Эксперементировать и изучать цвет в живописи очень и очень полезно, так вы сможете лучше понять, как устроен цвет, и что из чего может получиться.
Есть основные первичные три цвета, из которого появляютя вторичные три цвета, потом еще и еще, путем смешивания… ну от этом подробнее в другой раз.
Помните, что цвет — один из важнейших средств изображения и каждому из нас свойственен свой способ цветового восприятия и передачи.
Колорит в живописи: гармоничное сочетание цветов в картине
Целостность или чистота цвета, что лучше? Вам кажется наверное вопрос странным и непонятным…
Конечно же, есть правила, но есть и исключения из правил. Не стоит забывать, что язык живописи гибкий и живой… Может совсем не получиться интересной «живописной симфонии», если случайно не добавить «в красочный оркестр» новый оттенок! Ведь в музыке также, музыкальный колорит зависит от богатства инструментом и гармоничном его соотношении.
Так, например, теплые тона помогают передать энергию и радость. Их используют, когда нужно выразить страсть, любовь, другие положительные эмоции.
Холодные тона расслабляют и успокаивают, передают умиротворение, безмятежность.
Добиться колористической гармонии и целостности картины помогает добавление одного выбранного цвета во все используемые краски. При этом нужно помнить, что «объединяющий» цвет будет оказывать наиболее заметное воздействие на свои комплементарные цвета.
Чтобы сделать какой-то цвет наиболее заметным на картине, привлечь к нему внимание, стоит оставить его чистым, не добавлять общий тон. Сочетание гармоничных цветов и чистых оттенков в картине позволит достичь идеального результата.
Цвет — основа языка живописи
Использование «объединяющего» цвета – самый простой способ добиться гармонии цвета в живописи. Его стоит попробовать всем начинающим художникам. В дальнейшем работу можно усложнить – взять несколько «объединяющих» цветов.
Но стоит помнить, чем их больше, чем менее целостной выйдет картина. Наращивать цвета лучше постепенно и следить, чтобы конечное впечатление осталось таким, как задумывалось изначально.
Цветовой центр композиции: зачем он нужен?
Цветовая композиция и определение центра внимания, на сколько он важен и нужен ли вообще? … Поясню… Обычно на картинах есть «главная роль» какого- то предмета или объекта. Потом есть второстепенные роли и так далее. Как в фильмах… главная роль героини, второстепенная роль подружки, потом соседи и массовка.. Примерно так.
Так вот, умелое обращение с цветом помогает направить взгляд зрителя в нужно место на главного героя картины. Ведь у цвета есть 3 качества — яркость, светлота и насыщенность.
Центральный элемент композиции должен привлекать внимание, но не резать глаз. Выбирать цвет для него следует аккуратно, помня о трех качествах.
Центр в обеих картинах — бакал с красным вином
Светлота должна обеспечить главному цвету доминирование среди соседних оттенков. Яркость и насыщенность лучше сделать выше, чем у других цветов, постаравшись при этом избежать диссонанса. Важно добиться гармонии дополнительных и сближенных цветов.
Но, как я писала выше, есть исключения из общих правил. Так, например, картины многих современных художников не имеют главного героя и получаются картины не менее интересные. Как бы, все в общем и целом… все важно и второстепенно… абстрактно, размыто, поверхностно и не напрягает.
Как на фото выше, подсознательно мы понимаем, что бакал красного вина — главное на картине… а все остальное — лишь дополнение к сюжету. Кто то со мной не согласится
Если нужно передать особый колорит, в живописи нередко используются исключительно теплые или холодные тона. Но во многих случаях выгоднее смотрится сбалансированная палитра цветов.
Сочетание теплых и холодных оттенков говорит о хорошем колористическом чутье, свидетельствует о тонком вкусе и мастерстве художника, умении видеть цветовую гармонию в целом.
Планируя картину, привлекающую внимание прежде всего цветом, нужно размещать объекты так, чтобы они не мешали целостному восприятию общей композиции.
Японские посетители разглядывают картину с улицей в Париже. Выставка в Киото, Япония
Хорошо, когда цвет центрального элемента яркий, светлый и чистый, а остальные цвета приглушены. Они как бы играют роль естественного обрамления центра, формируя направление взгляда и правильное восприятие картины зрителем.
В завершение, хотелось бы сказать, цвет – это мощнейший инструмент, способный оживить полотно, произвести невероятный эффект на зрителя. Изучая цвет, мы можем воздействовать на огромный диапазон эмоциональных реакций зрителя!
Умение увидеть и почувствовать нужный цвет, передавать настроение и эмоции – ценное мастерство художника, которое нужно совершенствовать.. А как известно, совершенству нет предела. А значит, такое направление изобразительного искусства, как живопись, можно изучать и изучать бесконечно.
И поверьте, для увлеченных людей это целое поле интересных возможностей и новых открытий! Подружитесь с цветами, научитесь направлять зрителя, и ваши картины успешно смогут передавать чувства близкие каждому!
Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.
Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы
Источник
На художников учат!
Учимся видеть цвет
by Рахман Файзулович
Учимся видеть цвет
Занимаясь живописью, мы находимся (должны находиться) в состоянии транса, когда внимание постоянно напряжено, и это напряжение не должно ослабевать по ходу работы. Вспомните, что я говорил о зрительном восприятии художника. Его взгляд не сосредоточен на одной точке, пытаясь понять её цвет, его взгляд рассеян, он видит натуру целиком и сравнивает между собой разные её участки. Смотрите сквозь объекты, фокусируйте свой взгляд за ними, чтобы их материальная составляющая, форма, фактура, растворилась в их цвете. Сравнивайте одно с другим и ищите между ними различия. Главная, если не единственная цель этюда, уловить мгновенное состояние натуры через точную передачу отношений её цвета. Не путайте этюд с живописью от себя или с декоративной живописью. В учёбе такая «отсебятина» не допускается. Не скрою, учеников (да и художников), способных научиться по-настоящему видеть цвет бывает не много. У большинства студентов не хватает сил писать переписывать в этюде одно и то же, и вскоре они начинают сочинять свой цвет, гордо утверждая, что «они так видят». Тут будет уместно напомнить, что на приёмных экзаменах по живописи в первую очередь обращают внимание на способность человека видеть реальный цвет.
Этюд пишется сочетанием красочных пятен, которые кладутся в разброс по всей поверхности холста или бумаги. Постепенно, поверхность заполняется цветом полностью, и всё идёт по новому кругу, когда цвет уточняется и переписывается многократно. По крайней мере, для этюда по сырому (ала прима), это закон, определяемый методом поиска цвета отношениями. Не пытайтесь начинать акварель с верхнего угла и заканчивать нижним.
Метод отношений предполагает, что вначале мы выбираем в натуре для сравнения самые определённые понятные нам по цвету места. Они должны быть близки по светлоте и по цвету. Это облегчит вам поиск тонких различий в пятнах, которое вам и требуется передать в работе.
Стремитесь к тому, чтобы цвет в одном месте этюда не повторялся в другом месте. Если цветовое пятно переднего плана повторится и на дальнем плане, иллюзия глубины пространства нарушится, потому-что с уходом в глубину, цвет в натуре всегда изменяется, а если он не изменился, значит, он расположен где-то рядом.
Учитывайте простую вещь, найти различие в близких по цвету пятнах, расположенных вплотную друг к другу, гораздо легче, чем между пятнами, разбросанными в пространстве натуры.Фон на котором лежит мазок цвета, удивительным образом изменяет наше восприятие этого цвета. Не думайте, что цвет, положенный вами на белую поверхность в начале работы, будет смотреться таким же на полностью записанной поверхности. Вам приходится постоянно вносить коррективы в ранее написанное, уточнять и цвет и его светосилу. В этом и заключается процесс живописи, в отличии от простой раскраски.
В одном красочном пятне стремитесь создать взаимодействие нескольких цветов, сочетание тёплых оттенков с холодными. Вы чувствуете необходимость сделать пятно цвета холоднее? Не обязательно его записывать новым, более холодным, цветом, достаточно внести в имеющееся пятно вкрапления мелких мазков синих тонов. Отойдя на расстояние от работы, а это надо делать как можно чаще, вы заметите оптическое смешение цветов.
Сама методика поиска цвета, последовательность работы над живописью, позволяет с лёгкостью определить этюдный характер полотна. Другое дело, если на основе найденных цветов в этюде вы начинаете работать над самостоятельной композицией. Тогда манера создания красочного слоя, фактура живописи, не поддаётся классификации, это почерк художника, который может видоизменяться в неограниченном диапазоне. Кто-то из художников работает крупными пятнами тона, которые усредняют цвет деталей натуры, кто-то обожает работать мелкими мазками-капельками, у кого-то живопись напоминает мозаику из смальты, у кого-то длинные и тонкие мазки, полные динамики и экспрессии (вспомните Ван Гога). Занимаясь творчеством, вы можете придерживаться послойного письма старых мастеров, можете работать локальными условными цветами, вы творец! Но в процессе овладения академической живописью, вы ученик, который обязан уметь передавать на холсте натуру.
Так может выглядеть последовательность работы над учебным этюдом масляными или гуашевыми красками.
Старайтесь оттянуть использование белил, подольше поработайте в тёмной тональности над цветом и рисунком.
На первых порах не стоит увлекаться мелкими пятнами, работайте широкой плоской щетинной кистью, и только на заключительной части переходите на более узкую. Для особо начинающих скажу больше, не пытайтесь сглаживать мазки и не доводите работу до «совершенства», пускай она и покажется вам сырой, вовремя остановитесь.
Старайтесь писать при дневном свете, избегайте искуственное освещение.
Ничего не говорю о кистях, бумаге и холсте на подрамнике. Это легко найти в сети самим.
— в акварельном этюде рисунок намечается в общих чертах кончиком круглой кисти с голубой краской (не закон, а рекомендация).
— если это этюд маслом, то рисунок создаётся в подмалёвке автоматически, когда вы прокладываете общие тоновые пятна.
— в масляной технике (где используется кроющая краска: гуашь, темпера, акрил…), работа начинается с теневых мест жидкой краской без использования белил. Самые освещённые места пишутся в конце работы, как аккорды триумфа, ради которого вы и прудились над тенями и полутонами. Их принято делать самыми пастозными (выпуклыми, грубыми, рельефными) мазками.
— в акварельной технике живопись идёт от самых светлых участков натуры к более и более тёмным. Заметьте, техника по сырому не исключает применение локальных лессировок.
— не путайте этюд по сырому с техникой отмывки, при которой краска наносится послойно, для получения всё более и более тёмного тона. Если вам приходится постоянно вымывать влажной кистью глухие (не прозрачные) участки краски, и вы превратили это в норму, такое письмо называют стиркой белья.
— очень часто опытные акварелисты отбрасывают первый «замученный» исправлениями лист, на котором найден верный цвет, и начинают этюд заново. Второй сеанс, с учётом найденного на предыдущем листе, пишется легко и быстро, сохраняя при этом свежесть и чистоту живописи.
— станковая акварель выработала массу технических приёмов, которые в этюде обычно не применяются. Вспомним; подкладывание под натянутую на стиратор бумагу, мокрой губки или войлока, использование резинового клея для защиты от краски бликов (после высыхания акварели, клей стирается), присыпание акварели крупинками соли и ещё, бог знает чего.
Как просто нам жить с таблицей умножения. Выучили, что дважды два – четыре, и это знание можно сразу же применить на практике. Многие начинающие живописцы думают, что обучение строится из заучивания правил и знакомства с технологией живописи. Да, это важно, но оно бессмысленно, если у вас нет правильной «постановки глаза», развитого чувства тона и цвета. Вновь напоминаю вам об особой роли краткосрочных набросков акварелью с натуры. Без них, как и в рисунке, ни о какой учёбе говорить не приходится.
Только за годы практики под руководством специалиста, у нас в голове образуется зародыш специфического органа, на развитие которого вы потратите годы упорного самостоятельного труда. Но труд окажется бессмысленным, если с помощью педагога вы не заложили правильную основу в процесс обучения, не заложили в мозги тот самый загадочный и неосязаемый для хирургов зародыш творческого роста.
Надеюсь показать технику работы над акварелью, но всяко бывает, поэтому некоторые замечания о ней размещаю сегодня здесь.
Источник